La Sínfonía op.21 de A. Webern

Después de analizar el lied y las bagatelas para cuarteto de cuerda, sorprende que Webern se embarque en la composición de una pieza con un nombre tan "clásico". Pero, al igual que Schöenberg, es una oportunidad para probar las nuevas técnicas cercanas ya al serialismo integral con los tipos formales clásicos.

El primer tiempo de la sinfonía plantea un tipo formal de primer tiempo de sonata mediante una amalgama de técnicas compositivas que abarcan casi toda la historia de la música occidental. Si la obra está organizada en la típica estructura ||Exposición:||-||:Desarrollo- Reexposición:||, lo original está en la forma de hacerlo sin recurrir a la tonalidad. Webern sustituye la tonalidad por el uso de la serie, con un cierto centro tonal débil, y la ordenación serial y repetida de los timbres de la orquesta. (metal-madera-cuerda y su retrogradación). Los dos temas contrastantes son sustituidos por dos canones por inversión que se solapan tomando dicha técnica de la música del Ars Nova y Renacimiento. En el desarrollo un solo motivo breve genera todo el material aplicándo técnicas del desarrollo motívico tradicionales de Beethoven o Brahms, pero lo organiza como un gran palíndromo a todos los niveles. La reexposición no es repetición, sino la presentación de nuevo de las series creando un gran punto culminante que se diluye en las dos breves células finales.

También la estructura interna de la serie P0 utiliza procedimientos de simetría, retrogradación e inversión como matería prima de la serie, y procedimientos que dominarán toda la construcción de la obra.

La Sinfonía se extrenó en Nueva York el 18 de diciembre de 1929, el crítico musical del New York Times dijo despectivamente de ella que el título perfecto sería 'El Significado Último de la Nada' por sus sonidos susurrantes y las texturas puntillistas que producen, según él, 'una música vacia de todo interés y significado.' (Sin duda la genial crítica 'tan fundamentada e interesante' es también válida para una mente superior como la del autor de la misma, y es que es tan fácil decir esas genialidades vacias de todo interés y significado...) El caso es que hoy nadie recuerda a un personaje que tanto aportó a la cultura del siglo XX pero si recuerdan al autor de aquella música tan deleznable.

La sinfonía con los canones marcados.

Este es un gráfico que muestra claramente la estructura en palíndromo  de la sección de desarrollo de esta sinfonía

La serie y las formas utilizadas en la obra

Presentación de Análisis y audición de obras de Fundamentos de Composición.

El martes 4 de mayo tendremos una actividad en la Polivalente 2 a la que debéis acudir todos los alumnos de análisis sea cual sea el día en el que tenéis clase. De lo que se exponga en esa audición habrá unas preguntas en el exámen final que os pueden servir para subir nota. (La asistencia es voluntaria aunque recomendable, las preguntas serán para mejorar nota, nunca necesarias para aprobar.)

El horario es el siguiente:

17:15 Presentación de Análisis sobre la obra de Claude Debussy.

18:15 Audición de obras de alumnos de Fundamentos de Composición de 5º y 6º

19:00 Audición de obras de alumnos de Armonía de 3º y 4º

Recordar tambíén que los alumnos de Análisis del lunes retrasan el horario de entrada a las 20:00 aprox. por la grabación en la sala de cámara y que el martes las clases se trasladan a las actividades de la Polivalente 2 de las que tenéis el horario arriba.

El Turina perdido. Sacromonte (1930)

Perdón por el despiste.

Esta es la partitura para el trabajo que tenéis que presentar la segunda semana de mayo (10 al 14). Es importante destacar la influencia del (mal llamado) impresionismo, y la música folklorica. También la diferenciación entre frígio, andaluz y flamenco, que parten de acordes y escalas muy similares, pero cuyas funciones son muy diferentes. Y el gran dilema ¿es música tonal o modal?

Os recuerdo que la próxima semana será la presentación de análisis que este año estará dedicada a la obra de Debussy y las audiciones de obras de los alumnos de armonía y fundamentos. Como siempre estáis invitados, en el caso de la presentación de análisis más aún. El evento comenzará a las 17:30 y el orden os lo anunciaremos en breve. Por este motivo las clases del martes 4 de mayo se trasladan a la polivalente 2. (Por si algunos os perdeís la clase de hoy)

Ultimas obras del siglo XX para analizar

En el enlace podéis descargar unos apuntes y obras que tenemos que analizar y comentar antes del exámen. Los apuntes tienen contraseña que es el nombre de la clase en la que estamos de lunes a miércoles. Son apuntes un poco antiguos que necesitan actualizarse sobre todo en lo referente a la segunda mitad del XX. Llevarlos a clase junto con las obras.

PD. Esta semana dedicaremos la última media hora a la revisión de la presentación de análisis para el próximo martes.

Siglo XX: Atonalismo

Al atonalismo y el atonalismo dodecafónico no surgen como ruptura con el pasado, sino como continuación del cromatismo del final de romanticismo. Los compositores atonales expresionistas no quieren que su música suene cerebral, calculada, libre de sentimientos,… todo lo contrario, conciben su música de una manera muy expresiva.

Los compositores no quieren “romper con la tradición” (frase archi-utilizada en los libros), sino encontrar su modo de expresión, el lenguaje de su época, los sonidos que escuchaban en su mente. Del mismo modo que aparecer vestido como Mozart ahora se consideraría ir disfrazado, el músico que hiciera música en el estilo de Mozart tampoco se expresaría de acuerdo a su tiempo.

Por otra parte los compositores acusados de “romper” con la tonalidad y la tradición son los que más la conocen y estudian. Webern es un gran conocedor y estudioso del Renacimiento y Schoenberg publica libros sobre armonía tonal y Fundamentos de Composición que demuestran hasta que punto conocía y apreciaba la música de sus antecesores.

¿Por qué entonces hay tanta gente a la que la música atonal les “suena mal”? La respuesta es sencilla porque se la escucha buscando el lenguaje, el modo de expresión de otros lenguajes musicales. Un cuadro como el anterior no retrata ningún personaje, no cuenta ninguna historia, no es como un Velázquez ¿”Suena mal”, es monótono, es ruido? De la misma manera siente un compositor atonal su música, llena de color, formas, ritmo…

¿Por qué pinta “tan mal” Picasso esta versión de las Meninas si ya estaba “bien pintada” por Velázquez?

Si aprendemos a escuchar con lo oídos abiertos, a degustar las disonancias, a apreciar el timbre, los juegos rítmicos,… podremos oír (ver) esta música en su verdadera dimensión. Llegados a ese punto que guste o no es otra cuestión, pero que no sea por falta de comprensión.

En la carpeta tenéis los archivos de las obras que vamos a analizar para empezar a comprender esta música.

 

Partituras sobre Debussy

Estas son las partituras que tenéis que traer a la próxima clase para analizar.

Apuntes sobre aspectos del romanticismo

No son para memorizar ni para recordar intensamente en la hora del examen y olvidar profundamente al día siguiente para siempre.

Son aspectos demasiado generales de la música romántica que os pueden servir de partida para comenzar a analizar y comprender a grandes compositores a los que se oye mucho pero se escucha poco, incluso entre los músicos que tocan, pero no acaban de saber interpretar su música.